Adulterio all’italiana è un film del 1966, diretto da Pasquale Festa Campanile, primo omaggio televisivo dopo la notizia dell’improvvisa scomparsa nei giorni scorsi di Catherine Spaak, qui protagonista con Nino Manfredi.

All’epoca parte della critica arricciò il naso: erano gli anni in cui ancora il genere commedia era considerato un sottoprodotto cinematografico eppure questo film è un gioiellino di comicità e garbo: binomio oggi purtroppo sconosciuto.

Quindici titoli “all’italiana”

Quando Pietro Germi fece il suo straordinario film Divorzio all’italiana nel 1961, era del tutto inconsapevole che quella definizione gli sarebbe stata scippata da lì al 1982 per ben quattordici volte.

La prima fu di lì a poco con Colpo gobbo all’italiana. Seguirono, in ordine: Matrimonio all’italiana, Risate all’italiana, Ménage all’italiana, Adulterio all’italiana, Amore all’italiana (ma uscì anche con i titoli di Pippo e de I supereroi diabolici), Viaggio di nozze all’italiana, Capriccio all’italiana, Un colpo all’italiana (The Italian Job), Le mille e una notte all’italiana, Atti impuri all’italiana (!!) e Bonnie e Clyde all’italiana.

Adulterio all’italiana 1966 e 1978

Questo film fu editato due volte e nella seconda recuperò tre minuti di girato. Sarebbe interessante poter confrontare le due versioni per capire quale scena sia stata aggiunta.

Uscì la prima volta col divieto di anni 14, quindi è lecito supporre che la riedizione sia seguita a una rimozione dello stesso: la morale era cambiata e molte pellicole negli anni Settanta furono nuovamente sottoposte alle commissioni di censura per poter avere il visto di “film per tutti” in modo da garantirsi passaggi televisivi pomeridiani o in prima serata o, negli anni successivi, per poter uscire in VHS senza divieti penalizzanti per le vendite.

Manfredi non è Rock Hudson, però…

Adulterio all’italiana è un film delizioso, un perfetto esempio di commedia italiana, ma non all’italiana. (Delle differenze fra questi due generi ve ne parlerò nel prossimo articolo.)

A guardare il film è inevitabile ripensare a certa commedia americana glamorous di pochi anni prima, in cui furoreggiavano Doris Day e Rock Hudson.

Certo Manfredi non aveva lo stesso appeal e rimandava più a Jack Lemmon (partner di Doris Day in Attenti alle vedove, 1959) che allo statuario Rock, ma in quanto ad arte era un gigante.

Catherine strizza l’occhio a Doris Day

Scritto oltre che diretto da Festa Campanile, non fa rimpiangere le commedie d’oltreoceano in quanto a brio.

Catherine è deliziosa, elegantissima negli abiti di Forquet, a tono con lo stile che Jean Luis creò per Doris. Ovviamente le disponibilità della Cecchi Gori non erano quelle della Universal e dunque il guardaroba della prima è decisamente più contenuto di quello della seconda.

Il modello femminile – di donna moderna, indipendente e volitiva – è però lo stesso, come le stesse sono le ingenue allusioni e la leggerezza del tutto.

Resta un film italianissimo

Le scenografie di Pier Luigi Pizzi raccontano della buona borghesia in un’Italia che ancora non si era accorta che il Boom stava già tramontando. Le ambientazioni sono però lontane da quelle americane, che replicavano le vistose o leziose – ma funzionalissime – case d’oltreoceano. Ai tempi l’America non ci dava certo punti in stile, ma in comfort era anni avanti a noi.

Il film ebbe diverse scene girate in esterni all’EUR, quartiere romano simbolo dell’Italia del Boom e che ritroviamo in diversi film di quegli anni.

La primadonna è lei

La Spaak è molto convincente, pur essendo ancora doppiata. La sua popolarità all’epoca era ormai tale che nei titoli di testa (ma non in tutte le locandine del film) il primo nome è il suo, mentre ne La parmigiana di Antonio Pietrangeli di soli tre anni prima aveva dovuto lasciare il posto a Manfredi, pur essendone la protagonista.

Dunque l’ordine in questo caso è capovolto, eppure il mattatore in questa deliziosa commedia è proprio Manfredi, mentre vi compaiono Mario Pisu, un grande Vittorio Caprioli e una sempre brava e splendida Maria Grazia Buccella.

Altre somiglianze

Come nei film della Day e Hudson, anche qui troviamo l’amico confidente e inaffidabile, ma se là c’era l’inconfondibile Tony Randall, qui troviamo il bravo Gino Pernice.

In questo film di Festa Campanile c’è perfino un’allusione alle famose caramelle Vip di Amore, ritorna!, che la coppia hollywoodiana girò con enorme successo nel 1961.

Altro elemento comune la presenza di una canzone, tanto come sigla che come motivo musicale conduttore, cosa davvero tipica delle commedie d’oro di Doris Day, essendo una cantante notissima.

Franco Migliacci per il testo e Armando Trovajoli per le musica, furono gli autori di Bada Caterina, delizioso tormentone di Adulterio all’italiana.

Trovajoli fu anche l’autore della colonna sonora originale del film.

Infine

Adulterio all’italiana tiene il ritmo dall’inizio alla fine, con una chiusura decisamente audace per i tempi.

Va visto liberi da pregiudizi femministi, perché la lotta per la parità qui ha la spensieratezza di una commedia perfetta, i cui tempi comici sono scanditi dalla determinazione spaesata dell’uno e dalla forza di carattere dell’altra.

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Doris Day vs. Renée Zellweger è un match vinto dall’immortale interprete di Que será será alla prima inquadratura dell’ex Bridget Jones.

Quando nel 2003 uscì Abbasso l’amore (di Peyton Reed), fu pubblicizzato come un ritorno o meglio un omaggio alle favolose commedie di Doris Day e Rock Hudson a cavallo degli anni Cinquanta e Sessanta. A garanzia di ciò fu ingaggiato per un cameo addirittura Tony Randall, meravigliosa spalla per i titoli migliori della coppia.

Il buon Randall salutò così il pubblico e la vita proprio con questa ignobile pellicola. Cosa lo spinse ad accettare probabilmente fu lo stesso inganno che portò me e innumerevoli altri fan del meraviglioso duo Day-Hudson a comprare un biglietto per un film che non definisco da buttare solo per le capacità tecniche che vi si ritrovano.

Il film Abbasso l’amore è un continuo rimando al più celebre film dell’amatissima coppia Doris Day–Rock Hudson ossia Il letto racconta (1959, di Michael Gordon), che però finisce per risultare una Luis Vuitton dei Cinesi. Senza offesa.

Renée Zellweger, ottima attrice altrove, qui scimmiotta volutamente e con enfasi Doris Day, che al suo confronto appare come la Regina Margherita. Grossolana e volgare la prima quanto misurata ed elegante la Day.

Se Ewan McGregor, dalla bellissima voce, tenta di parodiare Hudson e David Hyde Pierce offre un personale omaggio all’impareggiabile Tony Randall, la Zellweger invece sbeffeggia Doris – al tempo vivente – uscendone giustamente a pezzi.

Il risultato è una commediola volgare per i tanti sottintesi da caserma e una trama da minorati, senza appeal, buon umorismo e soprattutto grazia.

Le uniche cose che reggono sono i titoli di testa, le tecniche del girato, la musica, le scenografie e i costumi, eccetto quelli indossati dalla Zellweger, che riesce ad annichilire anche questi.

Se riuscite a recuperare la pellicola, vi raccomando di vederla insieme all’originale, per capire quale immenso abisso corra fra Abbasso l’amore e Il cuscino racconta.

In mezzo non ci sono solo gli anni trascorsi, ma il declino di un’intera società, che ha barattato il buongusto per qualche sguaiataggine da un soldo al chilo.

Oggi Doris Day avrebbe compiuto 100 anni e invece se n’è andata il 13 maggio del 2019, fra i tanti cani accolti e l’amore dei suoi collaboratori e amici più stretti, lontana dall’unico familiare, il nipote Ryan Melcher, che la propria figuraccia planetaria l’ha già fatta in occasione della morte della nonna.

Ad una sua cara amica Doris Day, prima di ritirarsi a vita privata disse di aver avuto una brutta vita, cosa che suonò incredibile alle orecchie di questa, considerando il grande amore del pubblico e i successi raccolti dall’attrice, ma Doris non sbagliò, perché per tutta la propria esistenza rincorse sempre e solo un focolare che mai riuscì a costruire.

Quando lasciò questo mondo volle che di lei non restasse traccia, non una tomba.

Ho sempre pensato che volesse lasciare questa vita senza voltarsi indietro, ma noi che l’abbiamo amata sullo schermo e che le siamo riconoscenti per la rara coerenza fra immagine pubblica e privata siamo invece qui a ricordarla e a ringraziarla per tutto il bello che ci ha lasciato.

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Dopo averlo visto e rivisto, tanto mi è piaciuto, ho voluto chiedere alla regista il perché di questo suo interesse per i tessuti, dato che ha fondato negli anni Novanta Indoroman, un emporio che tratta esclusivamente tessuti Khadi e Handlooms.

Mi ha risposto che il film sul Khadi è un gesto di riconoscenza verso un fenomeno che ha reso la sua vita più ricca di bellezza, ma prima ancora mi ha confidato che la ragione di questo suo interesse per i filati realizzati a mano sta nel ricordo dell’eleganza della madre e della nonna, ai cui nomi tutto mi è diventato più chiaro.

Quando si nasce fra la bellezza e fra essa si vive, allora il bello diventa sinonimo di qualità e di stile. Il vero stile non è mai apparenza né esibizione, ma sempre sostanza. Naturale che il Khadi dovesse essere così attraente per una donna tanto innamorata dell’India e discendente di uno dei casati più antichi d’Italia, imparentata con nomi illustri legati al collezionismo d’arte. Da signora qual è non sfoggia titoli e parentele, ma mi sono bastati i primi nomi che mi ha dato di madre e nonna per capire chi fosse, il suo cognome da sposata ha fatto il resto.

Rispetto la sua riservatezza e torno al tema del suo film. Khadi è una parola quasi sconosciuta in Italia, identifica quella stoffa – normalmente di cotone, ma spesso di seta e a volte di lana – realizzata interamente a mano dalla filatura alla colorazione, passando per la tessitura.

Voce guida in questo documentario è Tara Gandhi, nipote del Padre dell’India. Chi meglio di lei per spiegare la rivoluzione pacifica che il Mahatma condusse attraverso il Movimento del Khadi, facendo di quest’ultimo l’ordito e la trama dell’India.

Quando Gandhi incitò gli Indiani a boicottare le esportazioni inglesi delle materie prime tessili, auspicando che in ogni famiglia – anche dei più sperduti villaggi – il Khadi ne riunisse i membri intorno alla produzione di tessuti secondo le tradizioni, dando loro sostentamento, sognava un’India padrona delle proprie risorse, capace di bastare a sé stessa, intenta a rivendicare pacificamente la propria identità storica.

Il Khadi non è solo un tessuto, è una filosofia, questo è più volte ripetuto. Direi che è anche una disciplina, perché il Khadi necessita del charka, ovvero dell’arcolaio: ecco la ruota su cui il Khadi si muove. E il charka è anche un processo di meditazione, perché chi lo muove esercita la virtù della pazienza e la pazienza è meditazione.

Parola persiana entrata nella lingua hindi, probabilmente grazie alla comunità dei Parsi, charka significa ciò che gira, ma anche cielo e spazio, ha dunque in sé un senso di eterno e in India il trascendente è costantemente sotteso all’immanente.

Il Khadi è simbolo di identità, di tradizione, ma anche di una scelta di vita o – per ripetermi – di una filosofia di vita, essendo la più etica fra le lavorazioni, perché mai in lotta con il Creato.

Perfino per la seta esiste una scelta etica: Matka Silk è la seta non violenta, derivata da bozzoli non allevati, lasciati liberi dall’insetto prima della loro raccolta. Si tratta di seta “selvatica”, l’unica ammessa dal Mahatma.

Dicevo che l’India è il regno delle stoffe, numerose sono le tecniche usate e ogni Stato ne ha di proprie, tanto da disegnare una mappa dei tessuti sovrapponibile all’immagine geografica di questo straordinario Paese.

Il Khadi è divenuto anche uno status, perché ogni stoffa è comunque unica a suo modo, essendo interamente artigianale, e porta in sé la tradizione del luogo in cui è fatta, a tal punto che un intenditore sa distinguerne l’origine geografica anche solo da com’è stata piegata per il confezionamento, ancor prima dunque di scoprirne la tecnica di realizzo, quindi per veri intenditori e amatori.

Si differenzia dai tessuti Handlooms per il fatto che questi usano fili prodotti meccanicamente, mentre i restanti processi di colorazione e tessitura restano poi rigorosamente a mano.

Ricchezza e bellezza di questo documentario sono le tante informazioni, curiosità e dati che gli intervistati offrono, ma anche le immagini e soprattutto il loro montaggio.

Se come all’inizio ci viene detto le mani sono il più straordinario strumento, tante ne incontrerete filando, tessendo, tingendo, lavorando solerti fra fili e colori. Tanti colori, accessi, vibranti, apotropaici.

Un documentario che racconta – vorrei quasi dire – in versi più che in prosa di un’arte antica, che tiene salda come radici un Paese che corre libero su innumerevoli charka, che con il loro movimento sempre uguale raccontano di un’India che cammina verso il futuro al ritmo della tradizione.

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